Ausstellungen in Südtirol

Das Palais Mamming Museum feiert im Jahr 2025 ein doppeltes Jubiläum: Zum einen sein zehnjähriges Bestehen, zum anderen 125 Jahre Stadtmuseum Meran. Aus diesem Anlass finden vom 17. bis 22. Juni vielfältige Veranstaltungen statt, die sich mit der Rolle des Museums in der heutigen Zeit auseinandersetzen. Im Zentrum steht dabei das Museumsobjekt – jenes Element, das den Kern jeder musealen Sammlung bildet. PROGRAMMÜBERSICHT Dienstag, 17. Juni, 18.30 Uhr Offizieller Dank an die Spenderinnen und Spender Antonella Costanzo, Sabine Raffeiner und Tiziano Rosani Kurze Geschichte des Stadtmuseums Georg Hörwarter Performance: DER AKT Hannes Egger Anmeldung: palaismamming@gmail.com RAHMENPROGRAMM Freitag. 20. Juni 2025, 17.00 Uhr W1_SMARTPHONE & ME Workshop mit Veronika Vascotto Anmeldung: palaismamming@gmail.com Freitag. 20. Juni 2025, 19.00 Uhr OBJECT 10/125 Audio Performance von / di Hannes Egger Anmeldung: palaismamming@gmail.com Samstag, 21. Juni 2025, 15.00 Uhr W1_SMARTPHONE & ME Workshop mit Veronika Vascotto Anmeldung: palaismamming@gmail.com Samstag, 21. Juni 2025, 17.00 Uhr OBJECT 10/125 Audio Performance von Hannes Egger Anmeldung: palaismamming@gmail.com

broken-yet-holding Malerei, Collage, Installation, Skulptur, Soundinstallation Kunstkollektiv: Brenner-Havelka-Plessl Vernissage: Donnerstag, 29. Mai 2025 - 19 Uhr Dauer der Ausstellung: 30. Mai - 29. Juni 2025 Öffnungszeiten: Di-Sa 10:30-12 Uhr, 17-19 Uhr; So10:30-12 Uhr Biografien der Künstler/innen: Max Brenner gelingt es als diegetischer Beobachter, komplexe und chaotisch-anmutende Sachverhalte gesellschaftlicher Konstruktionen gleichzeitig von außen und von innen darzustellen. Er observiert seine eigenen Komposition von Einzelbildern und Geflechte von existenziellen Ängsten, sozialen Herausforderungen und Krisen. Die Resultate seiner künstlerischen Auseinandersetzung sind post-dystopisch anmutende Fragmente, gesellschaftlicher Beziehungen und Symbiosen. Der in der komplexen Masse, vielfältiger und sozialer Verflechtungen existierende Mensch wird als wiederkehrendes Motiv dargestellt. Nick Havelka ist der Ausgangspunkt und gleichzeitig das emotionale Zentrum der kollaborativen Zusammenarbeit, da er derjenige ist, andere in sein künstlerisches Schaffen mit einzubeziehen. Durch die beispiellose Öffnung und Transparenz im Umgang mit seiner mentalen und psychischen Gesundheit gelingt es, einen Rahmen für kooperative Impulse zu setzen. Das durch seine Werke geschaffene introspektive Narrativ seiner rohen Realität versucht, gesellschaftlich gelebte und geprägte Tabus und Stigmata zu dekonstruieren und aufzulösen. Michael F. Plessl ist auf der Suche nach der Darstellbarkeit einer Idee in ihrer konkretesten und pursten Form; der kleinsten noch nachvollziehbaren Form von Kommunikation. Hier beginnt seine Auseinandersetzung mit der Formulier- und Formbarkeit eines Gedankens; der Suche nach dem Kunstwerk, das aus nichts als einer Idee besteht. Die Form der Umsetzung dieser erschließt sich durch die Idee selbst. So wird versucht, sich in der Umsetzung immer wieder auf das Ursprüngliche und Wesentliche zu besinnen. Konzeptbeschreibung der Ausstellung Das italienisch-tschechisch-österreichische Kunstkollektiv Brenner-Havelka-Plessl hat sich im Zuge ihrer Studien an der Universität für angewandte Kunst in Wien kennengelernt und beschlossen ihre Kompetenzen miteinander zu verbinden, um Betrachter:innen mit schönen und abscheulichen Geschichten aus ihren Routinen zu holen. Neben dialektischen versucht das Kollektiv verstärkt, dialogische Kommunikationsformen zu entwickeln, wodurch einem ergebnisoffenen Austausch von Absichten und Erfahrungen Raum gegeben wird, der schließlich ein tieferes Verstehen und Empathie ermöglicht. Die erste Einzelausstellung “broken-yet-holding” versucht, einen Einblick in das kollaborative Arbeiten zu vermitteln und den Transformationsprozess des Kollektives verständlich zu machen. Ursprünglich allein Entschiedenes, wird jetzt im steten Austausch verhandelt und besprochen. Dieser Transformationsprozess beginnt mit dem Abstreifen alter Verhaltensweisen und Vorurteilen, um Platz für eine neue Identität zu schaffen. Das Ursprüngliche wird zerrissen und steht symbolisch für die Befreiung von sozialen Stigmata und Vorurteilen. Diese zerrissenen Fragmente werden gemeinsam neu angeordnet und collagiert. Dieser Prozess ist eine Form der Selbstverwirklichung – die Schaffung eines neuen, selbstbestimmten Lebens, das nicht von der Vergangenheit dominiert wird. Die Häutung ist ein Akt der Befreiung, bei dem das „Unaussprechliche“ – die Wunden der Vergangenheit – in einen kreativen und heilsamen Prozess umgewandelt wird.

Alles hängt zusammen Die Ausstellung LACORDA02 knüpft an Hubert Kostners herausforderndste Arbeit Sasmujel an, welche 2019 im Rahmen des Festivals Transart entstanden ist. Im steilen Geröll der Langkofelscharte, auf einer Höhe von 2.400 Metern wurde ein freistehender Felsen ca. 4x5x6 Meter mit 10.500 Metern vorwiegend recycelten Kletterseilen umwickelt. Nach knapp einem Jahr wurde das Dolomitbruchstück durch den Künstler aus den Seilen gelöst. Ein Teil der Seile des befreiten Sasmujels findet sich in der Ausstellung LACORDA02. Die Überreste am Boden des ArtSpace lassen an eine vergangene Zeit, an archäologische Fundstücke denken. Diese dynamische Bodenplastik bildet das zentrale Element und im ureigenen Sinn auch das Ausgangsmaterial für die weiteren Skulpturen und Wandarbeiten. Aus den Seilstücken des Sasmujel entstehen seit 2021 kontinuierlich neue Arbeiten, die einzelnen Werke werden fortlaufend ihrer Entstehungszeit entsprechend nummeriert. In den skulpturalen Werken wird das Seil seiner flexiblen Beschaffenheit enthoben und entgegen der natürlichen Schwerkraft in statischen Positionen eingefroren. Hier kombiniert Kostner künstliche Klettergriffe, wie man sie aus Kletterhallen kennt, mit den Seilen. Die Ausstellung LACORDA02 steht in ihrer farbigen und abstrakten Bild- und Formsprache für die Vielfältigkeit sozialer und zwischenmenschlicher Verbindungen, die eng geschnürt sowie lose geknüpft, lebenslänglich wie flüchtig, stark oder fragil sein können. Im größeren Kontext betrachtet steht sie für die übergeordnete lebenserhaltende Nabelschnur zwischen der Natur zum Menschen und die Verantwortung, die wir dafür tragen. Verschiebungen, Entwicklungsprozesse und Transformationen spielen in der künstlerischen Arbeit Hubert Kostners (*1971) die zentrale Rolle. Materialien und Gegenstände aus dem unmittelbaren Umfeld des Künstlers werden aus dem konventionellen Kontext gelöst und dadurch neu lesbar gemacht. Seine scharfsinnige und individuelle Sichtweise tritt dem Alltäglichen mit den Waffen einer nüchternen Feinsinnigkeit entgegen. Kostners Arbeiten bleiben von Anklagen jedoch entfernt und bewegen sich vielmehr im Bereich einer nicht unbedingt versöhnlichen Ironie. In seinen Werken geht es im Grunde auch darum, hinter einem idealistischen Weltbild ursprüngliche Bedeutungen und tatsächliche Wirklichkeiten zu entlarven und unsere Vision der Welt zurechtzurücken.

Erlebe ein besonderes Format, bei dem Yoga und Kunst auf kreative Weise verschmelzen. Entdecke neue Formen der Bewegung – körperlich, geistig und künstlerisch – in einem inspirierenden Raum. Inspiration und Kreativität entfalten sich, wenn Körper, Geist und Seele im Einklang sind. Werde Teil einer neuen Bewegungserfahrung mit Katharina Theresa Mayr. In einer kreativen Praxis werden meditative Bewegungsfolgen (Prana Vinyasa Flow) eingesetzt, um Kreativität, freies Bewegen und Inspiration in den Mittelpunkt zu stellen. In den Räumlichkeiten der Galerie entsteht eine Verbindung zwischen künstlerischem Raum und kreativer Bewegung. Diese Umgebung fördert das ungezwungene Fließen kreativer Gedanken, umgeben von lebendigen und inspirierenden Räumen. Wo könnte kreative Energie besser spürbar sein? (Anmeldung erforderlich: art@katharinamayr.com, www.katharinamayr.com/workshops/yoga-at-the-gallery, Weggensteinstraße 12A, Bozen @SKB ARTES). Eine Yoga-Einheit umfasst 75 Minuten zu € 18 pro Person.

Malerei auf Metallfolien in Stabler‘s Stiegenhaus-Galerie in Oberbozen, Alter Mühlweg 28. Geöffnet zu Geschäftszeiten, täglich außer Sonntag & Feiertage. Info Tel. +39 0471 345480. Er ist ein Grübler, ein Denker, einer, der blinden Fortschrittsglauben kritisch hinterfragt. Wenn er durch die Straßen eilt, unstet, aber mit wachem Auge, so hat er vielleicht schon das nächste Projekt zu verwirklichen: eine Fassade, ein Bild, eine Sonnenuhr, die er auf die Hauswand malt oder ein Familienwappen. Bekannt geworden ist Gottfried Stabler aber vor allem durch die Goldfolientechnik, die er selbst entwickelt hat (Text: Kuratorium Kommende Lengmoos)

Gabriele Ciot aus Cortina d'Ampezzo beschäftigt sich seit seiner Jugend leidenschaftlich mit dem Zeichnen und schloss 2006 das Kunstinstitut von Cortina ab. Später besuchte er Aquarell- und Zeichenkurse und stellte seine Werke in Ausstellungen in Cortina und Padua aus. Er bevorzugt Bäume und Berge als Motive, da ihn die Formen und Kontraste, die das Licht auf ihnen erzeugt, faszinieren.

Der Verband der Künstler der Autonomen Provinz Bozen stellt ein neues Projekt vor, um die lokale künstlerische Realität zu erforschen. Das Ausstellungsprojekt zielt darauf ab, die subtile Grenze zwischen Traum und Wirklichkeit zu erforschen, ein faszinierendes und zum Nachdenken anregendes Thema. Anhand einer Auswahl von Werken zeitgenössischer Künstler will die Ausstellung untersuchen, wie die Traumwelt die Wahrnehmung der Realität beeinflusst und umgekehrt, und so einen Dialog zwischen dem Imaginären und dem Konkreten schaffen.

Psychocolonial Spaces: Act 1 ist ein von Samia Henni konzipiertes und realisiertes Projekt. Es entsteht im Auftrag der Ar/Ge Kunst und findet vom 24. Mai bis zum 2. August 2025 in Bozen statt. Das Projekt erkundet die Beziehungen zwischen Grenzen, Territorien und gelebten Räumen und spürt der Untersuchung Frantz Fanons (1925-1961) zur Psychologie des Kolonialismus nach. Das für die Ar/Ge Kunst realisierte Projekt Psychocolonial Spaces ist die erste einer Reihe von Veranstaltungen, die in verschiedenen Städten und an unterschiedlichen Orten aktiviert werden können. Act 1 nimmt seinen Ausgang mit einer Erkundung von unsichtbaren und unsichtbar gemachten Räumen der Segregation und Entfremdung in Bozen und Umgebung: von kolonialen Spuren, Denkmälern und Straßen, von Orten, die auch heute noch eine Wirkung auf das Leben der Menschen haben. Was aber kommt einem in den Sinn, wenn man an „psycho-koloniale“ Räume denkt? In welcher Weise betreffen sie uns und wie erkennen wir sie? Wie nimmt unser Körper die Gewalt dieser Räume auf und in welcher Weise werden wir durch unsere Erziehung, Herkunft und Haltung bewogen, über diese Orte nachzudenken? Was tritt hervor, wenn man sich von binären Denk- und Organisationssystemen löst? Samia Henni (1980 DZ/CH) ist Schriftstellerin, Historikerin und Ausstellungsmacherin und befasst sich mit gebauten, zerstörten und imaginierten Umgebungen sowie ihrer Beziehungen zu Praktiken der Kolonisierung, zu Kriegen und Umweltverschmutzung. Ihre jüngsten Forschungsarbeiten gipfelten in den Ausstellungen Performing Colonial Toxicity (2023–; Amsterdam, Zürich, London, Providence, Paris, Berlin, Ottawa), Housing Pharmacology (2020/21, Marseille, Paris) und Discreet Violence: Architecture and the French War in Algeria (2017–2022; Zürich, Rotterdam, Berlin, Johannesburg, Paris, Prag, Ithaca, Philadelphia), in den Büchern Colonial Toxicity: Rehearsing French Radioactive Architecture and Landscape in the Sahara (EN, 2024, 2025; FR, 2025) und Architecture of Counterrevolution: The French Army in Northern Algeria (EN, 2017, 2022; FR, 2019) sowie in den ihr herausgegebenen Bänden Deserts Are Not Empty (EN, 2022, 2025; IT, 2024) und War Zones (2018). Dieses Projekt wird ermöglicht durch die Unterstützung von Swiss Arts Council Pro Helvetia.

Künstlerführung: 23/05, 18:00 05/08, 17:00 In deutscher Sprache Workshop zur Ausstellung: 25/07, 14:00 Leitung: Max Calanducci Anmeldung erforderlich 1906 schrieb Gustav Mahler an den befreundeten Dirigenten Willem Mengelberg: „Ich habe soeben meine Achte vollendet. […] Denken Sie sich, dass das Universum zu tönen und zu klingen beginnt. Es sind nicht mehr menschliche Stimmen, sondern Planeten und Sonnen, die kreisen.“ Von diesem Zitat inspiriert, schuf der Kärntner Wolfgang Semmelrock 2018 das multidisziplinäre Projekt „PlanetenKlang.“ Im Park des Kulturzentrums erschafft der Künstler einen Ausstellungsparcours mit einer luftigen Planeteninstallation, die von tönenden Klanginstallationen umgeben ist. Im Foyer stellt er neben Fotografien und Zeichnungen eine ganz besondere interdisziplinäre Arbeit aus: den Klang-Helm, einen Klang-Kunst-Körper zum Sehen und Hören, der Mahler’sche Musik ins Ohr der Besucher:innen träufelt.

Diese in den letzten zehn Jahren erworbenen Videos werden zum ersten Mal im Museion gezeigt. Mit experimentellen Techniken wie Loops, Overlays und Flackern setzen sie sich mit Fragen der Erinnerung auseinander. Da die Videokunst ein zentraler Bestandteil zeitgenössischer Museen ist, hat das Museion seine Sammlung gezielt erweitert und nutzt dieses dynamische Medium, um durch die Überlagerung von Bild- und Erzählsprache neue Bedeutungen zu erschließen. Derzeit besitzt das Museum 167 Videoarbeiten, darunter 28 Installationen und 139 Einkanalfilme, die einen wichtigen Teil der 4.450 Werke umfassenden Sammlung bilden. Dieser Schwerpunkt entstand in den Jahren 2007-2008 zurück, als das Museion 52 Videoarbeiten von Electronic Arts Intermix (EAI) in New York erwarb. Seitdem hat sich die Videokunst zu einem wichtigen Bereich entwickelt, der historische Erzählungen, experimentelles Storytelling und technologische Innovationen vereint. Videokunst ist zudem eine generationenübergreifende künstlerische Sprache. Im Zentrum der Ausstellung steht die Auseinandersetzung mit Zeit, Gedächtnis und der geisterhaften Präsenz der Vergangenheit. Die ausgewählten Videos behandeln Themen wie Erinnerung und Wandel und nutzen Archivmaterial, gefundene Objekte und visuelle Verfremdungen, um konventionelle Erzählungen zu hinterfragen. Wie Archäolog*innen, die vergessenen Geschichten ausgraben, verwenden die präsentierten Künstler*innen Montage, Aneignung und Überlagerung, um Erzählungen zu schaffen, die die Linearität der Zeit hinterfragen. Diese Neuzugänge zur Sammlung des Museion stärken nicht nur dessen Bedeutung als Ort für zeitgenössische Kunst, sondern sind auch für die Region von besonderem Wert. Durch den stetigen Ausbau des Videoarchivs sichert das Museion die Stellung Südtirols als Zentrum für zeitgenössischen künstlerischen Diskurs und stärkt die Verbindung zwischen globalen Narrativen und lokalem Kulturerbe. Die Ausstellung dient somit als dynamische Plattform, um die Vergangenheit zu reflektieren und sie durch die Perspektive moderner Kunst neu zu deuten. Gezeigte Videos: Korakrit Arunanondchai, Untitled (Painting with History in a Room Filled with People with Funny Names 3), 2015 Barbara Gamper, Becoming Otherwise (hot pink triangles and holes, or how to become woman?), 2020 James Richards, Qualities of Life: Living in the Radiant Cold, 2022 Berty Skuber, Epicycles, 2013

Die Ausstellung beleuchtet den Bauernkrieg und seine Vorgeschichte anhand von Archivalien aus der Zeit um 1500. Im Mittelpunkt stehen die sozialen, politischen und wirtschaftlichen Aspekte des Lebens vor und während der Bauernaufstände. Durch die Präsentation von Archivalien aus dem Diözesanarchiv, Kunstwerken und Alltagsgegenständen werden bisher wenig beleuchtete Perspektiven auf den Bauernkrieg aufgezeigt, um die Vielschichtigkeit der historischen Ereignisse und ihre komplexen Ursachen sichtbar zu machen. Die Ausstellung schlägt eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart und regt zum Nachdenken über die Kontinuität gesellschaftlicher Umbrüche an.

Lebendiges Erbe der Dolomiten Die Wanderausstellung mit 20 eindrucksvollen Tafeln wurde für den 50. Geburtstag des Naturparks Schlern-Rosengarten konzipiert. Die Freilichtausstellung zeigt anhand von Bildern die beeindruckende Landschaft des Naturparks und den Artenreichtum von Flora und Fauna. Genauso erzählt die Ausstellung von den Anfängen der Schutzhütten und von Menschen, die im Naturpark leben und arbeiten.

Die Bilder, die man während des Urlaubs bei uns in sich aufnimmt, sorgen noch lange danach für wohlige Erinnerungen. So soll es auch sein. Die beeindruckende Naturlandschaft, in der wir leben, macht sich aber auch auf der großen Leinwand ausgezeichnet. Zu bestaunen sind die fantastischen Bilder zur Naturwelt Südtirols im Rahmen unserer Multivisionsshow, begleitet von erklärenden Ausführungen unserer Referenten.

Die Ausstellung NATURELEMENTE 31.5 - 19.10.2025 in Seis am Schlern präsentiert eine Auswahl an Kunstwerken des Ahrntaler Künstlers Alois Steger.

Der multimedial arbeitende Künstler hat gemeinsam mit der Kuratorin Eva von Ingram Harpf für den Dorfkern des Dolomitendorfes 7 Werke ausgewählt, die sich symbiotisch in das historische Zentrum einfügen. Aus natürlichen Elemente und Materialien geschaffen, werden die Werke sich im Laufe der Ausstellungszeit durch die Witterung geplant verändern.

Boom `70 nimmt dich mit in die Zeit des Umbruchs und wirtschaftlichen Aufschwungs Südtirols während der 1970er und 1980er Jahre. Der moderne Gast reist nun mit seinem Auto an und erreicht so auch abgelegenere Regionen. Die Nächtigungszahlen explodieren und steigen von zehn auf 20 Millionen - der Massentourismus ist da. In der Ausstellung erzählen Zeitzeuginnen und Zeitzeugen vom Aufeinanderprallen gegensätzlicher Welten: Industrie trifft auf Tourismus, Armut auf Wohlstand, Kirche auf Bikini. Es geht um erste Begegnungen mit Fremden, neue Rollen für Frauen und Freundschaften über Ländergrenzen hinweg – aber auch um Stress, Bauwut und harte Arbeitsbedingungen.

Tauchen Sie ein in die faszinierende Welt der Dolomiten und erleben Sie eine unvergessliche Führung durch das Naturparkhaus in St. Vigil. Lassen Sie sich von der atemberaubenden Landschaft, der reichen Flora und Fauna, der geheimnisvollen Höhlenwelt und den spannenden Geschichten rund um den Naturpark verzaubern.

Jeden Dienstagabend laden wir dich herzlich ein, an einer faszinierenden Reise in die Vergangenheit teilzunehmen. Unser Fossilienmuseum in Mölten öffnet seine Türen, um dich in die Welt der prähistorischen Schätze zu entführen. Entdecke seltene Fossilien und erfahre mehr über die Geschichte unseres Planeten. Unsere sachkundigen Guides stehen bereit, um dir alles Wissenswerte über die erstaunlichen Funde zu erzählen und deine Fragen zu beantworten. Egal, ob du ein begeisterter Fossilienfan oder einfach neugierig bist, unsere Touren bieten für jeden etwas. Verpasse nicht die Gelegenheit, dienstags abends einen unvergesslichen Ausflug in die Vergangenheit zu erleben! Anmeldung bis Montag 12 Uhr im Tourismusbüro Mölten, +39 334 279 0200 oder info@moelten.net Führung in Deutscher Sprache: 17.00 Uhr Mindesteilnehmerzahl: 3 Personen

Diesem Thema widmet sich ab 1. April unsere Treppenhausausstellung. Diese einzigartige Ausstellung bietet einen visionären Blick auf die Entwicklung und die Möglichkeiten des Reisens im 21. Jahrhundert und darüber hinaus. Anhand von KI-Bildern und Illustrationen skizziert das Touriseum einen Blick in die Zukunft des Reisens. Lassen Sie die inspirierenden Impulse auf sich wirken und tauchen Sie ein in die Möglichkeiten und Herausforderungen des kommenden Reisezeitalters. "Die Zukunft des Reisens" zeigt eine Sammlung von kreativen Kurztexten und dessen künstlerischen Interpretationen, die die Grenzen unserer Vorstellungskraft herausfordern und gleichzeitig realistische Szenarien für die Zukunft des Reisens bieten könnten. Wir laden Sie herzlich als Besucher*innen ein, die verschiedenen Aspekte der Zukunft des Reisens zu entdecken, während sie die Treppe hinaufsteigen.

Bilderaustellung des Rainer Kainrath Im Palas der Burg erwartet euch ein weiteres echtes Highlight: die Austellung des Eppaner Künstlers Rainer Kainrath. Seine fantasievollen Werke rund um Burgen, Ritter und das mittelalterliche Leben - darunter auch seine Interpretation der bekannten "Knödelesserin" und der "törichten Jungfrauen" - laden zum Staunen und Mitmachen ein. Die Austellung wird am Tag der Veranstaltung eröffnet und bleibt bis Saisonsende zugänglich.

Michael Höllrigls ausdrucksstarke Stein- und Bronzeskulpturen schmücken im Jahr 2025 die Gärten des Kränzelhof, getreu seinem Leitmotiv „Die Hand weiß mehr als der Kopf“. „Fort und fort träumen lassen“ ist das Ziel der Skulpturenausstellung. Ob nahezu unberührte Wildnis oder reizvolle Kulturlandschaft – Gärten stehen für die Sehnsucht nach dem Paradies: Gezähmte Natur und ungezügelte Innenwelten treffen aufeinander, wachsen vielleicht zusammen. An einem vom Wechselspiel von Natur und Kultur geprägten Ort wie dem Kränzelhof verweisen die Dinge der Natur und die Dinge der Kunst in einer Weise aufeinander, wie es Joseph von Eichendorffs Gedicht „Wünschelrute“ in einer unsterblichen Zeile ausgedrückt hat: „Schläft ein Lied in allen Dingen, Die da träumen fort und fort, ... Organisation Kulturverein K.art. Preis: Garteneintritt

Im Herzen Europas hat die Wucht der aufeinander prallenden Kontinente ein Gebirge voller markanter Zinnen und Türme entstehen lassen. Im Laufe der Jahrmillionen formten tropische Meere, Vulkane und Eiszeiten diese Landschaft. Die Schönheit dieser bleichen Berge hat die Menschen so fasziniert, dass man sie unter die Weltwunder eingereiht hat. Die Sonderausstellung 2025 von Dolomythos-Museum in Innichen zeigt die Höhepunkte des Welterbes anhand der berühmtesten Funde und deren Erforschungsgeschichte. Die Höhepunkte der Ausstellung: Am 26. Juni 2009 wurden die Dolomiten aufgrund ihrer landschaftlichen Schönheit und Einzigartigkeit sowie ihrer wissenschaftlichen Bedeutung im Bereich der Geologie und Geomorphologie in die Welterbeliste aufgenommen. Gründe dafür waren, dass die Dolomiten überragende Naturerscheinungen oder Gebiete von außergewöhnlicher Naturschönheit und ästhetischer Bedeutung aufweisen und außergewöhnliche Beispiele der Hauptstufen der Erdgeschichte wie der Entwicklung des Lebens darstellen.

Die heurige Frühjahrsausstellung ist der aus Bozen geborenen Malerin Margarethe Dorigatti gewidmet. In ihren Bildwerken zwischen Figuration und Abstraktion pflegt die Künstlerin ein intensives Verhältnis zu Farbwerten und Chromatik. Auf Schloss Kastelbell wird ein Querschnitt aus ihrem Schaffen gezeigt. Zeitraum: 27.04. bis einschließlich 22.06.2025 Eintritt: Euro 7,00 Öffnungszeiten: Dienstag-Samstag 14:00-18:00 Uhr, Sonn-und Feiertage 11:00-18:00 Uhr Ruhetag: Montag (außer an Feiertagen)

Die Installtion ist eine Erweiterung der aktuellen Ausstellung "broken-yet-holding" von Brenner-Havelka-Plessl, die zur selben Zeit in der Galerie Gefängnis / Le Carceri in Kaltern zu sehen ist. Das Kunstkollektiv Brenner-Havelka-Plessl verbindet ihre Kompetenzen, um durch dialogische Kommunikation ein tieferes Verständnis und Empathie zu fördern. Ihre erste Einzelausstellung "broken-yet-holding" zeigt den Trans-formationsprozess des Kollektivs, bei dem alte Verhaltensweisen abgelegt und eine neue Identität erschaffen wird. Ein kreativer Prozess der Zerrissenheit und Neukollagierung symbolisiert die Befreiung von sozialen Stigmata und Vorurteilen. Im SKB ARTES ist die Installation Fragment 02 zu sehen, die ausgewählte Elemente der gemeinschaftlich geschaffenen und in Kaltern ausgestellten Malereien miteinander verbindet. Einzelne Details, die durch Tackern und Vernähen hervorgehoben werden, erzählen weitere Facetten psychischer Gesundheit. Eine Liveübertragung zwischen den beiden Ausstellungsorten macht Fragmentierung und Vielschichtigkeit auch räumlich erfahrbar. Ausstellungsdauer: 30.Mai - 28.Juni

Von 1. April bis Ende Juni zeigt das Naturmuseum Makroaufnahmen von Insekten der Südtiroler Fotografin Ulrike Mitterstieler. Ulrike Mitterstieler, 1965 in Bozen geboren und in Völs am Schlern aufgewachsen, entdeckte erst spät ihre Leidenschaft für die Fotografie. Ihre Begeisterung für Insekten, die sie seit ihrer Kindheit begleitet, verbindet sie mit der Makrofotografie, um die verborgene Schönheit und Komplexität dieser kleinen Lebewesen sichtbar zu machen. Ihre Arbeiten ermöglichen es den Betrachtenden, Details zu erkennen, die dem bloßen Auge oft verborgen bleiben. Die Fotografin wurde im Rahmen des Open Call des Naturmuseum Südtirol ausgewählt, bei dem lokale Künstlerinnen und Künstler eingeladen wurden, Werke mit Südtirol-Bezug einzureichen. Ziel des Projekts ist es, den Übergangsbereich zwischen dem ersten und zweiten Stock des Museums mit wechselnden Ausstellungen zu bespielen und damit regionalen Talenten eine Plattform zu bieten. Die aktuelle Ausstellung knüpft an den Erfolg der vorherigen Präsentation "Kontakt" von Christian Passeri an, die von Januar und noch bis einschließlich Sonntag, 30. März 2025 zu sehen ist. Die Ausstellung lädt die Besucherinnen und Besucher ein, die Welt der Insekten aus einer neuen Perspektive zu erleben und die oft übersehene Schönheit dieser Tiere zu entdecken. Sie ist vom 1. April bis zum 29. Juni 2025 zu den regulären Öffnungszeiten des Naturmuseums zugänglich und im Eintrittspreis inbegriffen. Infos: Tel. 0471 412964

Am 8. Mai 2025 eröffnet das SKB ARTES zwei Ausstellungen von zwei spannenden und unterschiedlichen Positionen aus der Südtiroler Kunstszene. Beide Ausstellungen schaffen Bühnen: Willy Verginer, international bekannt für seine skulpturalen Arbeiten, inszeniert mit theatralischer Kraft eine Wirklichkeit, die aus den Fugen geraten ist. Alexander Wierer, Residenzpreisträger 2024 der Stiftung Südtiroler Sparkasse, lädt gemeinsam mit Rasmus Ramö Streith ein, autobiografischen Spuren des Zwischenmenschlichen und scheinbar Nebensächlichen jenseits des Offensichtlichen nachzuspüren. Eröffnung 8.5.2025 19.00 Uhr SKB ARTES 8.5. – 5.7.2025 Di – Fr 11 – 17 Uhr, Sa 11 – 14 Uhr Es sprechen Alexander Zoeggeler Präsident SKB Stefan Pan Präsident Stiftung Südtiroler Sparkasse Lisa Trockner Kuratorin Willy Verginer Growtesk Willy Verginer präsentiert in dieser Ausstellung, verteilt auf 5 Räume, eine umfassende Werkschau seines skulpturalen Schaffens der letzten 10 Jahre. Mit Growtesk gewährt der Bildhauer Einblicke in eine verdrehte Welt, in der Häuser auf dem Kopf stehen, der Himmel zu Säulen erstarrt, Menschen Wurzeln schlagen, Schweine auf Bäumen lauern und Gorillas auf Tischen tanzen. Verstärkt von gleisenden monochromen Farbschnitten im Holz erzeugt Verginer Szenarien von bizarrem Wachstum, subversivem Treiben, erstickender Dystopie und sanfter Havarie. Abseits des Alltäglichen wird die Realität gespiegelt. Eine Poesie des Aufbruchs, die aufwühlt, fesselt, mitreißt zieht sich durch. Von Raum zu Raum werden immer neue Sphären der Wahrnehmung freigelegt. ALEXANDER WIERER & RASMUS RAMÖ STREITH_PROJECT no, no flowers Preisträger Residence Cité Internationale des Arts Paris 2024 Gefördert von der Stiftung Südtiroler Sparkasse Manche Begegnungen gleichen einem Spiegelbild – tief verbunden, losgelöst von Raum und Zeit. Alexander Wierer und Rasmus Ramö Streith trafen sich im Sommer 2024 zum ersten Mal, in Paris, es war während ihres Aufenthalts an der Cité Internationale des Arts. Zu der Zeit fanden die Olympischen Spiele in Paris statt, was die Stadt in einen bewachten isolierten Raum verwandelte. Die Julihitze tat ihres dazu, lähmte Menschen und Kinder noch mehr. Unter diesen Umständen wuchs eine Freundschaft. Abgüsse von Schuhsohlen, Tortenreste, ein Kassenautomat verweben sich in der Ausstellung no, no flowers zu einem Narrativ. Erzählen von den Spuren des gegangenen Weges, von gefeierten Festen und von der Quittung einer Freundschaft, die tief geht.

Giancarlo Lamonaca: RAUSCHEN In einer Welt, in der digitale Bilder zur dominanten Form von Erinnerung geworden sind, fragt die Ausstellung Rauschen nach dem, was sich entzieht. Es sind Bilder im Übergangszustand, in denen Reminiszenzen eines digitalen Archivs eine andere Form von Bildlichkeit offenbaren. Ihre Störungen erzeugen eine Gegenwehr - gegen den Anspruch auf Vollständigkeit und gegen die Glätte perfektionierter Bilderwelten. Ein digitales Palimpsest, in welchem Erinnerung nicht bewahrt oder verworfen wird, sondern verwandelt. Mozzarellalight: TO FADE IN Das Wasser, eine schwebende Materie und ein sich bewegender Organismus, rückt ins Zentrum der Wahrnehmung. Es ist nicht mehr nur ein einfaches Element, sondern ein lebendiger Körper, der sich im Laufe der Zeit verändert und in seinem Inneren instabile und stille Mikrosysteme hervorbringt. Jeder Moment erzeugt ein neues Bild, wie eine Fotografie, die sich dem Festhalten entzieht. Eine Erscheinung, die sich nicht einfangen lässt, sondern sich nur kurz zeigt – nur um gleich wieder zu verschwinden. Die Installation wird vor allem in den dunklen Stunden des Tages sichtbar sein, wie in einem fotografischen Prozess, bei dem das Bild langsam auf dem Film erscheint.

Ein Besuch, neun Jahrhunderte Ihr Guide durch fast 900 Jahre Geschichte. Allgemeine Informationen Das Augustiner Chorherrenstift Neustift präsentiert in seinem Museum wertvolle Kunstschätze aus Mittelalter und Früher Neuzeit. Im Rahmen des Museumsbesuchs sind auch die wichtigsten historischen Räumlichkeiten des Klosters zugänglich: die Kirche mit ihrer spätbarocken Ausstattung, der Kreuzgang mit seinen gotischen Fresken sowie der berühmte Bibliothekssaal und das 2020/21 entdeckte Chinesische Kabinett aus der Zeit des Rokoko. Sie erleben fast neun Jahrhunderte Architektur-, Musik-, Bildungs- und Wirtschaftsgeschichte, ein Kunstgeschichtsbuch mit offenem Ende. Mit einem kostenlosen Audioguide können Sie sich die 900 Jahre Kunst- und Kulturgeschichte auch anhören. In 18 Kapiteln erfahren Sie alles Wissenswerte über das Augustiner Chorherrenstift Neustift. Die Teilnahme an der Stiftsführung ist nur nach vorheriger Anmeldung möglich. booking@kloster-neustift.it oder Tel. 0472 694951 Für einen gelungenen Museumsbesuch ... Wir bitten Sie, 15 Minuten für Beginn der Führung am Infopoint zu erscheinen. Eintrittskarten sind am Infopoint/Stiftspforte erhältlich. Das Museum ist von 10.00 bis 17.00 Uhr geöffnet. Letzter Einlass ist um 16.15 Uhr. Bei Online-Buchungen wird ein Teil der Gesamtsumme vor Ort kassiert.

Mit Graffiti eröffnet Museion im März 2025 eine bahnbrechende Ausstellung über die Verbindungen zwischen Graffiti und zeitgenössischer Kunst. Erstmals in Italien widmet sich eine Museumsausstellung der Geschichte der Sprühmalerei sowie den vielfältigen künstlerischen Überführungen von Bildsprachen der Stadt und Straße ins Atelier. Graffiti zeigt sich dabei vor allem als Sichtweise und Perspektive auf urbane Landschaften. Die Werkschau versammelt transdisziplinäre Arbeiten aus 75 Jahren und verfolgt einen Ansatz, der weit über die Historisierung von Graffiti als „Outsider“-Praxis hinausgeht. Beginnend mit frühen Sprühbildern aus den 1950er- und 1960er-Jahren spannt sie den Bogen über Arbeiten legendärer Graffiti-Writer*innen der 1980er-Jahre bis hin zu Werken zeitgenössischer Künstler*innen, die Graffiti in ihr vielfältiges Schaffen einbeziehen. Sprühfarbe, das charakteristische Werkzeug moderner Graffiti, wurde 1951 in den USA patentiert. Zwischen ihrer Markteinführung in den 1950er-Jahren und dem Aufkommen der heute bekannten Form von Graffiti in den späten 1960er-Jahren lagen fast zwei Jahrzehnte, in denen bildende Künstler*innen jedoch bereits mit dem Medium experimentierten. Seit Sprühfarbe das dominierende Ausdrucksmittel für Graffiti geworden ist, wird sie automatisch mit dieser Kunstform verbunden. Selbst eine einfache Linie Spray auf Leinwand weckt heute unmittelbar Assoziationen mit Rebellion und urbaner Kultur. Auf 1.500 Quadratmetern versammelt die Ausstellung auf den beiden oberen Museumsetagen Schlüsselwerke von der Mitte des 20. Jahrhunderts bis zur Gegenwart sowie neue, ortsspezifische Arbeiten. Graffiti beginnt mit Werken aus den 1950er- und 1960er-Jahren von Künstler*innen wie Hedda Sterne, David Smith, Martin Barré, Dan Christensen, Carol Rama und Charlotte Posenenske. In Dialog damit treten Leinwandarbeiten legendärer Graffiti-Writer wie Rammellzee, Futura 2000, Blade und Lee Quiñones. Bedeutenden Werken aus den 1980er- und 1990er-Jahren, in denen sich Graffiti und zeitgenössische Kunst verbinden – darunter von Lady Pink & Jenny Holzer, Martin Wong & LA2 und Keith Haring – folgen jüngere Spraybilder von Heike-Karin Föll, Michael Krebber und Christopher Wool. Digitale Graffiti-Zeichnungen von Georgie Nettell treffen unter anderem auf Patricia L. Boyds Fotogramm einer Bushaltestelle und Karin Sanders Gebrauchsbilder. Dieser Teil der Ausstellung umfasst ebenso Werke zeitgenössischer Graffiti-Künstler*innen wie Kunle Martins und WANTO sowie neue Arbeiten von N.O.Madski im Dialog mit Skulpturen von KAYA. Schließlich verwandelt sich die Ausstellung in eine Stadtlandschaft, bevölkert von Arbeiten, in denen sich die rauen und kreativen Seiten urbaner Realitäten auf vielfältige Weise widerspiegeln. Graffiti zeigt sich als Material in Filmen und Fotografien, wie etwa von Charles Atlas und Manuel DeLanda, sowie in raumgreifenden Installationen und Skulpturen. Josephine Prydes New Media Express, eine mit Graffiti besprühte Modelleisenbahn, bewegt sich zwischen Klara Lidéns Readymade-Mülleimern und Verteilerkästen. Weitere Methoden der Markierung urbaner Oberflächen finden sich in R.I.P. Germains skulpturaler Nachbildung einer Schaufensterfront, einer neuen Wandinstallation von Matias Faldbakken und den Street Casts von Alix Vernet. Graffiti bildet den Auftakt einer neuen, langfristigen Museion-Forschungslinie, die ihren Fokus auf sanfte und gewaltlose Formen des Widerstands sowie Kunst als soziale und urbane Praxis legt. Die Ausstellung wird ko-kuratiert von dem in New York lebenden Künstler und Archivar Ned Vena (*1982 in Boston, USA). Seine künstlerische Praxis umfasst Malerei, Skulptur, Installation und Film und ist geprägt von seiner aktiven Tätigkeit als Graffiti-Writer sowie seinen umfassenden Recherchen zur Geschichte von Graffiti. Umgekehrt hat seine intensive Beschäftigung mit der Geschichte der Malerei auch sein Verständnis von Graffiti beeinflusst.

Die Ausstellung „Kein Kaufmann fällt vom Himmel“ vertieft die Figur des Kaufmanns, seit jeher die Seele der Stadt Bozen, und seinen Wandel an der Schwelle zum 18. Jahrhundert vom ‚einfachen‘ Krämer zu einem regelrechten Messekaufmann. Zu dieser Entwicklung trugen damals auch innovative Handbücher über den Handel, die wachsende Bedeutung der Bozner Jahrmärkte und die Rolle des Merkantilmagistrats bei. Mithilfe der Leihgaben verschiedener Einrichtungen, öffentlicher Archive und einzelner Privatsammlungen möchte die Ausstellung die kaufmännische Tätigkeit im goldenen Zeitalter der Bozner Jahrmärkte wiedergeben. In der Ausstellung ist auch das Büro eines Kaufmanns zu sehen. Landkarten, Gemälde und Zunftzeichen zeigen dabei, wie wichtig das Transportwesen für den damaligen Fernhandel war. Einige kostbare Handschriften aus dem Archiv Menz gewähren einen weiteren Einblick in die komplexe Organisation des damaligen Marktes. Zu sehen sind auch seltene Exemplare regelrechter Enzyklopädien des Handels. Der Ausstellungsparcours schließt mit der unvollendeten Tafel mit Holzintarsien von Alois Delug, Anfang 20. Jahrhundert, die zum ersten Mal im Merkantilmuseum ausgestellt wird. Sie verbildlicht sehr gut die Atmosphäre, die früher in der Handelsstadt Bozen und auf ihren Jahrmärkten geherrscht haben muss.

Szenen friedlichen Zusammenlebens von Hirten und Weidetieren – harte Arbeit bei widrigem Wetter in meist unwirtlichen Landschaften: Zwischen diesen Polen bewegt sich die Kulturgeschichte der Weide. Als der Mensch begann, die Alpen mit seinen Haustieren zu besiedeln, begann sich auch die nacheiszeitliche Landschaft zu verändern. Die neue Wechselausstellung „Gras und Zähne - Al pascolo - may safely graze. Kulturpraxis und -geschichte der Weide“ im Naturmuseum Südtirol zeigt Etappen dieser Entwicklung bis hin zur aktuellen Debatte um Weidetiere und Wölfe. Informationen zu geführten Rundgängen, Exkursionen und weiteren Veranstaltungen gibt es auf der Webseite des Naturmuseums. Die Ausstellung ist Teil des EU-Projekts LIFEstockProtect und findet parallel zur LIFEstockProtect Konferenz 2024 - Eurac Research in Vahrn statt.